MuchaMerd - Arte

Tom Waits desglosa acordes mientras el artista comienza a trazar con pluma y tinta china uno de los 30 rostros de 33 x 33 que compondrán su próxima muestra.

Una especie Dr. Jekyll and Mr. Hyde se vislumbra en el lienzo. Una dualidad común en las obras de Andrés Casciani que no tiene miedo de crear y modificar sobre la marcha.

Sobre el final, toma un pedazo de vidrio y un pincel, se concentra y entra en una especie de simbiosis con su obra que se va generando con óleos al ritmo de “Gone” de The Cure. Lo efímero va tomando forma sin timidez, mientras la cámara capta cada uno de sus movimientos.

Lo periodístico ya había quedado desde el comienzo relegado para dejar filtrar el intercambio visual, fotográfico y plástico. Lo dialogado luego se reformularía en una entrevista vía chat.

Tal vez, en los próximos días el aguarrás diluya el rostro que fue graficando sobre un material que emplea para hacer monotipia y sólo quede una foto de esa mujer penumbrosa creada para durar un instante.

¿Sos o te hacés?

Soy.

¿En qué basás esa respuesta? ¿te han dicho que lo sos o simplemente un día lo sentiste?

Jajajaj es muy abstracto esto.

Lo abstracto está muy relacionado con tu arte, entonces no debería ser difícil responder tal pregunta

No, no creo que me guíe porque me hayan dicho algo de lo que soy, nunca he tenido la menor duda de que eso que soy o hago ya "es" así.

Decime tres palabras que se relacionen o te sugieran tus obras

Emmmm…  sutil, agresivo, fluidez.

La música, imagino, ha tenido una gran importancia en tu vida, ¿qué música escuchás para crear?, ¿se relaciona alguna de ellas con estos momentos de agresividad o sutileza que planteás?

Me gusta la música que muestra esa oposición dulce-agresivo, bandas como Smashing Pumpkins, Sparklerhorse, The Cure, PJ Harvey, etc. reúnen esos opuestos. Pero además me gusta generar esa oposición por combinación de artistas que están en uno u otro extremo: Johanna Newsom sería un extremo, por ejemplo, y The Residents el otro. En ese sentido sí voy de Björk o Spinetta hasta Tom Waits o John Zorn por ejemplo.

La oposición "estructura lírica" vs. "distorsión y ruido" también es esencial en esa inspiración musical.

¿A quiénes podrías nombrar cómo tus referentes en lo visual?

Hay millones, pero los evidentes son siempre artistas que han usado la línea expresiva como la base de su obra: Carlos Alonso, Luis Scafati, Lajos Szalay, Roberto Páez, Ralph Steadman, Barron Storey y Alberto Giacometti por nombrar algunos. Picasso es un laboratorio visual que siempre, absolutamente siempre, me pone las pilas para laburar. Los infinitos niveles que tienen sus obras y la cantidad de planteos de mundos y modos de ver que plantea son un gran incentivo cuando me siento trabado.

Las historietas y el cine de animación son la otra gran fuente de inspiración constante.

En tus obras, sobre todo en "Músicos" noto una gran influencia de Carlos Nine

Carlos Nine es un maestro absoluto al cual admiro un montón, (sus dibujos para "El Angel Gris” por  ejemplo, se me "marcaron" desde la infancia y fueron justo el tipo de fuego que enciende la mecha para dedicarme a esto) pero no lo tengo particularmente presente a la hora de laburar. Es probable que hayan sedimentos de cuando disfruto viendo su obra, pero es mucho más intencional en mi la investigación (y saqueo) de otros autores. Es probable que muchas similitudes también surjan de que Nine es un artista que fusiona caricatura e ilustración con artes plásticas (grabado, pintura etc.) y dibujo "expresionista". Ese es el ámbito en el cual intento desarrollar mis imágenes.

Metiéndonos más en tu trabajo, ¿Cuándo una obra está terminada?

En mis obras es esencial el recurso del "Non finito", del planteo abocetado. Es esencial para mí porque nunca deja de fascinarme esa frescura y ese aire que se produce al ver en la misma obra su resultado (la imagen que trata de mostrar como ilusión de volumen, expresión, etc.) y su "proceso de formación", es decir líneas de construcción, textura y color del papel o lienzo o cartón sobre el cual trabajo. Por eso mismo el manejo del nivel de "finalización" del cuadro es muy intuitivo. Lo siento en mi estómago al percibir la imagen como totalidad más allá del "tema" que represente, y siempre es una tensión entre el "armar" la imagen y el respetar el espacio en que se desarrolla.

¿El precio de tus obras tiene una relación directa con la valoración que vos hacés de ellas?

El precio de la obra depende de muchos factores: contexto, manejo de la difusión y los medios de comunicación disponibles, habilidades relacionales y comerciales al moverse en determinados niveles sociales, etc. La valoración que doy a mi obra en ese sentido aspira a poder sostenerme dignamente como ser humano (no me considero hábil comercialmente pero uno también va tratando de defender su trabajo como puede). Más allá de que el artista debe comer, como todo ser humano, el verdadero valor del arte no es material.

¿El tamaño importa?

Desde mi punto de vista no, la obra más grande no es mejor, pero es importante resolver la relación con el espacio en el cual será expuesta (su presencia física en el espacio). Es un tema de presentación nada más para mí, Creo que es un factor que no es tan esencial con respecto a la imagen en si, pero si es un recurso muy utilizado como "golpe de efecto" por los artistas.

¿Cuántas veces has pintado sobre una obra que no ha sido vendida?

Jaja muchísimas, se superponen diferentes niveles y mundos, son capas de percepción y sensación cada uno de los escalones de la imagen. Cada imagen nueva se alimenta de la capa anterior.

Para finalizar, ¿cuál es el sentido de la vida?

Jajajja no creo que pueda expresarse en palabras ni a través de nuestros recursos mentales. Si sé que en mi vida el dibujo es un camino para intentar disfrutar este infinito misterio.

Bueno, espero que me mandes una ilustración explicándolo.

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